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Hier stellen wir einige Neuerscheinungen unserer Partnerfirmen vor

Weitere eBooks

Carmina burana - Eine mittelalterliche Sammlung - New London Consort, Philip Pickett

Eine wegweisende Sammlung mittelalterlicher Musik, deren Interpretation zum ersten Mal seit vielen Jahren wieder zugänglich ist. Die Carmina Burana ist die berühmteste aller Schätze mittelalterlicher lateinischer und mittelhochdeutscher Dichtung, benannt nach dem Kloster Benediktbeuren, in dem sie zusammengetragen und aufbewahrt wurde. Allgemein bekannt wurde sie durch Carl Orffs einstündige Auswahl aus der reichen Sammlung von Liebestexten, Studentenliedern und religiösen Gedichten in lateinischer und altdeutscher Sprache. In den sechziger und siebziger Jahren unternahmen einige Ensembles der Alten Musik mehr oder weniger erfolgreiche Anstrengungen, die einzigartige Mischung aus weltlichen und geistlichen Beiträgen zu interpretieren. Eine systematische Annäherung an die Carmina Burana musste jedoch bis in die späten 1980er Jahre warten, als eine der innovativsten britischen Frühmusikgruppen im Auftrag von Deccas L‘Oiseau-Lyre ein Projekt zur Aufnahme von über einem Viertel der über 200 Lieder startete. Die erste Folge der Carmina Burana war nur die zweite Aufnahme des New London Consort und seines Gründungsdirektors Philip Pickett, aber das Album wurde schnell als Meilenstein für die weitere Verbreitung mittelalterlicher Musik erkannt. Kritiker lobten die Treue zum Gestus und Text der Carmina Burana, den eloquente und oft witzigen textbezogene Gesang von Catherine Bott, Michael George und anderen, und die fantasievolle Verwendung eines vollständigen mittelalterlichen Instrumentariums. Nach dem Erfolg von vol. 1, das Anfang 1986 aufgenommen wurde, nahm L’Oiseau-Lyre ein Jahr später drei weitere Alben auf, die die Grundlage für den breiteren internationalen Ruf des New London Consort bildeten. Seit Picketts Carmina Burana 1996 als Set herausgegeben wurde, war es seit langem nicht mehr verfügbar: eine bedeutende Lücke in der Diskographie alter Musik, die mit dieser Ausgabe gefüllt wird.

Eloquence ELQ4827315, (4 CD), VÖ: 19.6.2019, 0028948273157

The Last Night of the Proms - Highlights aus den Jahren 1969, 1971, 1972 - Jessye Norman, Sopran
Elizabeth Bainbrigde, Mezzosopran - BBC Chorus • BBC Singers • BBC Choral Society - BBC Symphony Orchestra, Sir Colin Davis

Zum ersten Mal zusammengestellt: historische Aufnahmen des großen Finales des weltgrößten Musikfestivals. 1969 hielt Philips die einzigartige Atmosphäre der letzten Nacht der Proms fest. Zeremonienmeister war Sir Colin Davis, der zwei Jahre zuvor Chefdirigent des BBC Symphony Orchestra geworden war. In den 1960er Jahren hatte er auch eine Zusammenarbeit mit dem niederländischen Label begonnen, die schnell dank seines sicheren Umgangs mit Chören Anerkennung fand. Dies wurde 1966 in einer BBCSO-Aufnahme von Händels Messias deutlich, in seiner genialen und maßgeblichen Art, mit englischer Musik von Elgar bis Tippett umzugehen, und in seiner leidenschaftlichen Überzeugung und Hingabe für die Musik von Hector Berlioz. All diese Qualitäten können in dieser Anthologie nachvollzogen werden. Die von Philips aus der letzten Nacht von 1969 ausgewählten Auszüge begannen mit „Cockaigne“, der vielleicht besten Einführung in die Musik von Elgar dank seiner brillanten Orchestrierung und seiner Größe, den Geist Londons darzustellen, und setzten das abschließende Ritual des Konzerts fort mit „Pomp und Circumstance“, „Rule Britannia“, „Jerusalem“ und natürlich der Nationalhymne. Das Album wurde ein Hit. Davis teilte nicht die überschäumende Showmanier seines Vorgängers an der Spitze der Last Night, Sir Malcolm Sargent, und brachte dennoch eine ganz eigenen Stil ein, und so nahm Philips eine Fortsetzung von Ausschnitten 1971 und 72 auf. Ein besonderes Highlight ist Jessye Norman mit zwei von Wagners Wesendonck-Liedern. Diese Neuauflage von Eloquence präsentiert sowohl vollständige Originalalben als auch neu gemasterte Stücke aus den analogen Quellen.

Eloquence ELQ4829370, (2 CD), VÖ: 19.6.2019, 0028948293704

Englische Orchesterwerke - Sir Edward Elgar: Variations on an Original Theme, op. 36 („Enigma-Variationen“) - Gustav Holst: The Planets, op. 32 - Bergen Philharmonie, Andrew Litton

Es ist bemerkenswert, dass zwei der Klassiker englischer Orchestermusik um die Jahrhundertwende innerhalb von fünfzehn Jahren komponiert wurden. Elgars Enigma Variations begeistern und faszinieren die Zuhörer seit ihrer Uraufführung im Jahr 1899. In 14 bemerkenswert unterschiedlichen Variationen demonstrierte Elgar seine kompositorische Meisterschaft und schuf Miniaturporträts seiner engsten Freunde sowie seiner Frau und seiner selbst. Abwechselnd sanft, idyllisch, stürmisch und ausgelassen bilden die oft nahtlos ineinander übergehenden Stücke dennoch ein zusammenhängendes Ganzes, wie ein Gruppenporträt, das auf einem Wochenendtrip aufgenommen wurde. Was den Titel angeht, so verkündete Elgar, der Rätsel liebte, dass eine schon vorhandene Melodie dem Thema zugrunde läge, und Musikwissenschaftler haben seitdem erfolglos nach der Lösung des Rätsels gesucht. 1916 schrieb Gustav Holst eine Reihe musikalischer Charakterskizzen - die Suite The Planets. Diese sieben Sätze haben wenig mit Astronomie zu tun und noch weniger mit den römischen Gottheiten, deren Namen sie tragen. Holst war eher von der Astrologie inspiriert und die Suite befasst sich eigentlich mit dem menschlichen Charakter, wie er von den Planeten beeinflusst wird. Das Konzept - wie das von Elgars Variationen - sorgt für eine Vielzahl von Stimmungen und Ausdrucksformen, und in seiner Partitur hat Holst diese Möglichkeiten voll ausgenutzt. Dazu bediente er sich eines großen Orchesters mit viel Schlagzeug, zwei Harfen, Celesta, Orgel und acht Pauken. Er gibt auch Stimmen für ungewöhnliche Instrumente wie Bassflöte, Bassoboe und Tenortuba, und im letzten Satz wird auch noch ein Frauenchor eingesetzt. Das Programm wurde in der spektakulären, warmen Akustik von Bergens Grieg Hall eingespielt.

BIS BIS-SACD-2068, VÖ: 3.7.2019, 7318599920689

L‘Esprit des Six - Francis Poulenc: Sonate für Klarinette und Klavier B-dur - Sonate für Klarinette und Fagott - Sonate für zwei Klarinetten - Darius Milhaud: Sonatine für Klarinette und Klavier op. 100 - Duo Concertant für Klarinette u. Klavier op. 351 - Georges Auric: Imaginées für Klarinette und Klavier - Germaine Tailleferre: Arabesque für Klarinette und Klavier - Sonate für Klarinette solo - Arthur Honegger: Sonatine für Klarinette und Klavier - Davide Bandieri, Calogero Presti, Klarinette - Axel Benoit, Fagott - Guillaume Hersperger, Klavier

«Les Six», bestehend aus Darius Milhaud (1892-1974), Arthur Honegger (1892-1955), Germaine Tailleferre (1892-1983), Georges Auric (1899-1983), Louis Durey (1888-1979) und Francis Poulenc ( 1899-1963), war in den 1920er Jahren in Paris aktiv. Jean Cocteau (1889-1963) war ihr Dichter und Sprecher, und die Gruppe betrachtete Erik Satie (1866-1925) als ihren spirituellen Meister. Treffen verschiedener Künstlerkreise in den Pariser Salons ermöglichten damals die Entstehung von Kollaborationen zwischen Künstlern, das Lesen von Gedichten, die Präsentation der neuesten Musikkompositionen oder die Ausstellung von Gemälden. In diesem Zusammenhang lernten sich die sechs damals etwa zwanzigjährigen Musiker durch die vielen Salons nach und nach kennen. 1919 wurde der Name «Les Six» geschaffen: Henri Collet, ein Journalist, schlug vor, ihnen diesen Namen zu Werbezwecken in Analogie zur Gruppe der Fünf (Versammlung russischer Musiker des 19. Jahrhunderts [Mussorgsky, Borodin, Balakirev, Cui, Rimsky-Korsakov]) zu geben. Die Zeitschrift „Le Coq“ erschien zwischen April und November 1920 unter der Federführung von Cocteau und wurde zum Verbreitungsorgan der Gruppe, auch wenn diese ihre Position klarstellte: „Die Coq ist das Organ keiner Schule ... Nichts ist weniger edel ... Die Tür steht weit offen ... „ Obwohl alle aus unterschiedlichen Richtungen stammten und ihren individuellen Schreibstil beibehielten, schlossen sich die Mitglieder von «Les Six» gegen Impressionismus und Wagnerismus zusammen. Eine mit populärer Einfachheit gefüllte Form charakterisiert ihre musikalische Ästhetik. Ab 1921 wurde jedoch Cocteaus Vorgabe („Auric, Milhaud, Poulenc, Tailleferre, Honegger, ich lege Ihren Blumenstrauß in das Wasser desselben Glases“) mit beginnendem Ruhm konfrontiert, der die Gruppe sprengte („Cocteau versuchte, uns in die gleiche Vase zu setzen, aber wir haben es nicht ausgehalten“). Trotz des kurzen Bestehens der Gruppe haben neben ihren Kompositionen mit humoristisch-absurden Titeln (wie Caramel mou, Salad oder Danse de la Chèvre) emblematische Werke wie das Album des Six, Le boeuf sur le toit oder Les mariés de la tour Eiffel den Weg ins Repertoire gefunden.

Claves CLA50-1804, VÖ: 3.7.2019, 7619931180427

Richard Wagner - Tristan und Isolde - Mitchinson, Gray, Howell, Joll, Wilkens, Folwell, Davies, Moses, Harris - Chorus of Welsh National Opera - The Orchestra of Welsh National Opera, Sir Reginald Goodall

Deccas erste digitale Studioaufnahme einer Wagner-Oper, die umfangreiche Werk eines legendären Wagner-Dirigenten bewahrt. Als diese Einspielung im Winter 1980/81 in zwei ausgedehnten Sessions aufgenommen wurde, hatte die Welsh National Opera mit dieser Besetzung bereits 18 Vorstellungen von „Tristan und Isolde“ gegeben, die meisten von ihnen unter den wachsamen Augen und dem inspirierenden Taktstock von Sir Reginald Goodall. Der Dirigent hatte viele vorbereitende Proben mit einzelnen Orchestermitgliedern - der Harfe, sogar der Bassklarinette - durchgeführt, um eine ordentliche Wagnersche Synthese von Musik und Text zu erreichen. Die Besetzung war englisch, wurde aber in jeder Nuance des Textes ausführlich von Goodall trainiert. Besonderes Lob, sowohl die Aufnahme als auch die damit verbundenen Aufführungen betreffend, erfuhr die jugendlich-glänzende Isolde von Linda Esther Gray. Die Aufnahme wurde von Decca mit angemessener Sensibilität für die bekannte Langsamkeit des Goodall-Stils vorgenommen, wobei große Zeiträume (jeweils bis zu 40 Minuten) möglich waren, um den ungestörten, aber unumgänglichen Fluss in der Arbeit des Dirigenten auf höchstem Niveau zu erhalten. Goodall selbst war mit dem Ergebnis zufrieden: „Ich hatte das Gefühl, es wird ein Erlebnis“, sagte er im Oktober 1981 gegenüber der Zeitschrift Opera, nachdem er die fertigen Bänder gehört und gebilligt hatte. Goodall war 1954 bei den EMI-Sitzungen für den endgültigen „Tristan“ unter der Leitung von Wilhelm Furtwängler dabei gewesen, und Goodalls eigene Leistung wurde von vielen Kritikern als würdiger und vergleichbarer Nachfolger dieses Klassikers gewertet.

Eloquence ELQ4829496, (4 CD), VÖ: 20.3.2019, 0028948294961

Zsigmond Szathmáry: Orgelwerke - Cadenza con ostinati; B-A-C-H; Dies irae; Feuertaufe; Bremer Dom-Musik; Strophen; Sonido Iberico; Sense of Rhythm; Moving Colours; Mors et vita - Martin Schmeding, Wolfgang Kogert, Zsigmond Szathmáry, Orgel - Anikoó Katharina Szatmáry, Violine - Olaf Tzschoppe, Schlagzeug

„...Farbigkeit und Klangreichtum“ – Zeitgenössische Orgelmusik von Zsigmond Szathmáry, produziert in Surround- und 3DQualität mit Martin Schmeding an der Rieger-Orgel der Abtei Marienstatt (1969/70) sowie an den Orgeln der Lutherkirche Wiesbaden (Walcker, 1911 und Klais, 1979). Als Mitglied der Kompositionsklasse des Kodály-Schülers Ferenc Szabó (gemeinsam u.a. mit Peter Eötvös) prägten Zsigmond Szathmáry die rhythmisch betonte Musiksprache, die Traditionen der Volksmusik und die durch Dissonanzen geschärfte, ganz eigene Harmonik Béla Bartóks früh in seinem eigenen Schaffen. Nach seiner Emigration in den Westen lernte er u.a. im Unterricht bei Karlheinz Stockhausen und in der Zusammenarbeit mit seinem Landsmann György Ligeti aktuelle Tendenzen der zeitgenössischen Avantgarde kennen und konnte sie in seine eigene Tonsprache übersetzen. Parallel hierzu wurde Zsigmond Szathmáry zu einem der führenden Interpreten zeitgenössischer Orgelmusik: Schon mit der Übernahme der Organistenstelle in Hamburg-Wellingsbüttel als Nachfolger des für seine Aufführungen moderner Orgelwerke berühmten Gerd Zacher und später mit der Einführung der Neue-Musik-Reihe Forum Bremer Dom als Domorganist in Bremen zeigte er hier seine herausragenden Kompetenzen. Diese konnte er ab 1978 als Orgelprofessor in Freiburg an zahlreiche Schülergenerationen weitergeben.

Cybele CYB061807, (2 SACD), VÖ: 20.3.2019, 809548019723

JuStBACH - Orchestersätze, Arien aus Kantaten - Kantate „Weichet nur, betrübte Schatten“ BWV 202 - Johannette Zomer, Sopran - Bart Schneemann, Barockoboe - Tulipa Consort

Diese CD präsentiert eine wunderbare Anthologie von Edelsteinen aus Bachs riesiger Kantatenproduktion. Die Sopranistin übernimmt die Hauptrolle und drückt ein breites Spektrum menschlicher Emotionen aus, von Angst und tiefer Verzweiflung bis hin zu Vertrauen, Lebensfreude und ausgelassenem Jubel. Eine beruhigende oder fröhliche Oboe oder ein Cello ist oft an ihrer Seite und sie lässt sich in bewegenden oder lebhaften Dialogen eng mit ihnen ein.
Das Repertoire von Johannette Zomer reicht von mittelalterlicher Musik über Barock und Klassik bis hin zur Oper, aber auch zu Liedern, französischer Romantik und zeitgenössischer Musik. Im Jahr 2013 gründete sie ihr eigenes Ensemble, das Tulipa Consort, mit dem sie 2015 eine Vivaldi-CD aufnahm. „Es macht mir große Freude, zu singen, aber oft müssen im Vorfeld der Konzerte Kompromisse zwischen den Interpreten (insbesondere zwischen Dirigent und Sänger) eingegangen werden, damit sie sich auf eine gemeinsame Interpretation einigen können, und dies ist oft keine leichte Aufgabe. Die Arbeit mit meinem eigenen Ensemble hat mir von Anfang an künstlerische Freiheit gegeben, denn durch die Auswahl meines eigenen Repertoires und meiner Musiker fühle ich mich in der Musik zu Hause, was der Aufführung sehr zugute kommt.“ Bart Schneemann ist Oboist, künstlerischer Leiter des Niederländischen Bläserensembles und Lehrer. 1988 wurde Schneemann gebeten, dem 1961 gegründeten Netherlands Wind Ensemble (NBE) neues Leben einzuhauchen. Er verwandelte das Ensemble in eine enthusiastische Gruppe von Musikern, die ein offenes Ohr für ganz unterschiedliche Genres haben. Schneemann wird  sowohl als Solist wie auch als Dirigent zunehmend nachgefragt, was zu zahlreichen Auftritten in ganz Europa, Amerika, Fernost und Australien führt.

Channel Records CCS39917,  VÖ: 27.3.2019, 723385399179

Ungehört - Vergessene Musik der Zwischenkriegszeit - Erich Itor Kahn: Fragment eines Streichquartetts - Hans Walter Süsskind: Rechenschaft über uns; Vier Lieder - Josef Matthias Hauer: Fünf Stücke op. 30 - Otto Jokl: Zweites Streichquartett - Louis Gruenberg: Vier Indiskretionen op. 20 - Ebony Quartet - Daniel Reuss, Erzähler - Barbara Kozelj, Sopran

Diese CD ist ungehört, denn soweit bekannt, ist keines dieser Werke jemals zuvor aufgenommen worden. Aber auch die Werke selbst sind unbekannt, denn sie gehörten zur „entarteten Kunst“, wie die Nationalsozialisten „befanden“. Fesselnde, spannende, künstlerisch reiche Musik der Zwischenkriegszeit. Kurz gesagt, die vorliegende CD bietet eine Ergänzung zu der unvollständigen Geschichte der Musik dieser Zeit und erweckt ungerechterweise vergessene Komponisten wieder zum Leben. Das Ebony Quartet besteht aus Musikern des Royal Concertgebouw Orkest. Neben dem Repertoire der Zwischenkriegsjahre spielt das Quartett auch gern Musik früherer Epochen. Zusammen mit der Ebony Band wurde das Quartett 1994 mit einem Edison Klassik für die Aufnahme von Erwin Schulhoffs Konzert für Streichquartett und Bläser ausgezeichnet.

Channel Records CCS40517, VÖ: 27.3.2019, 723385405177

Johann Sebastian Bach - Englische Suiten, BWV 806-811 - Masaaki Suzuki, Cembalo

Ein voller Zeitplan als Musikdirektor des Bach Collegium Japan und als gefragter Gastdirigent halten Masaaki Suzuki nicht davon ab, zu seinen ersten Lieben, der Orgel und dem Cembalo, zurückzukehren. Mit der vorliegenden Veröffentlichung fügt er seiner Serie von Bachs Werken für Cembalo solo ein weiteres Kapitel hinzu. Nach gefeierten Aufnahmen des Wohltemperierten Klaviers, der Goldberg-Variationen, der französischen Suiten und anderer Werke sind nun die englischen Suiten an der Reihe. Von Bach bereits in seinen Dreißigern komponiert, geht der Zyklus anderen voraus, wie den Französischen Suiten und den Toccaten. In seinem Kommentar macht der Bach-Forscher Yo Tomita auf die Stilmerkmale eines jugendlichen und ehrgeizigen Komponisten aufmerksam, „der sich durch die Verwendung von Kontrapunkt und Virtuosität einen Namen machen will“. Trotz ihres Titels hat die Sammlung, zumindest musikalisch, nur sehr wenig mit England zu tun: Die sechs Suiten sind stattdessen in der französischen Tradition verwurzelt und weisen einige auffällige Ähnlichkeiten mit Stil eines Zyklus von Charles Dieupart auf, der „Six Suittes pour le Clavessin“ von 1701 (Bach kopierte sich Dieuparts Sammlung irgendwann zwischen 1709 und 1716). Erst im 19. Jahrhundert wurden die Suiten als „Englische“ bekannt, basierend auf einer nie untermauerten Behauptung, dass sie von einem englischen Adligen in Auftrag gegeben wurden.

BIS BIS-SACD-2281, (2 SACD), VÖ: 3.4.2019, 7318599922812

Camille Saint-Saëns (1835-1921) - Klavierkonzerte: Nr. 3 Es-dur op. 29 - Nr. 4 c-moll op. 44 - Nr. 5 F-dur op. 103 „Ägyptisches“ - Alexandre Kantorow, Klavier - Tapiola Sinfonietta, Jean-Jacques Kantorow

Komponist, Klaviervirtuose, Dirigent, Lehrer - all dies war Camille Saint-Saëns, aber auch ein leidenschaftlicher Archäologe, Astronom, Botaniker, Historiker, Illustrator, Dichter, Dramatiker… Ein erfahrener Reisender war er und zu Lebzeiten der berühmteste Musiker in seinem Heimatland, in Nord- und Südamerika, im Nahen Osten und in ganz Europa gefeiert. Es ist daher unverständlich, dass sein umfangreiches und abwechslungsreiches Schaffen heute nicht besser bekannt ist - mit Ausnahme einiger Werke, unter denen das berühmteste der „Karneval der Tiere“ ist, den Saint-Saëns selbst übrigens nicht besonders schätzte. Heutzutage wird sein Stil oft als altmodisch oder sogar reaktionär betrachtet; dabei neigen wir dazu zu vergessen, dass Saint-Saëns zu Lebzeiten manchmal wegen der Kühnheit seiner Werke gescholten wurde! Darüber hinaus verteidigte er die Musik der Revolutionäre Wagner und Liszt, wurde von Kollegen wie Berlioz, Debussy und Ravel bewundert schrieb - 1908 - eine der ersten Originalpartituren für einen Film! Jean-Jacques Kantorow und die Tapiola Sinfonietta setzen sich für die Musik von Saint-Saëns bereits auf einer Reihe von gefeierten Alben ein. Jetzt bietet der junge Alexandre Kantorow - Sohn des Dirigenten - einen Überblick über seine Werke für Klavier und Orchester. Im Jahr 1858 schrieb Saint-Saëns als erster große französische Komponist ein Klavierkonzert. Auf dieser ersten SACD von zweien präsentieren die Kantorows die drei letzten Konzerte, entstanden in einem Zeitraum von fast 30 Jahren (1868-1896). Es sind höchst individuelle Einzelstücke: Das Klavierkonzert Nr. 3 ist ein mutiger Versuch, die klassische Form mit Lisztschem Brio zu vereinen. Nr. 4 verwendet ein ungewöhnliches formales Schema, bei dem Themen zyklisch wiederverwendet werden, und schließlich das Konzert Nr. 5, nach dem zweiten Satz das „Ägyptische“ benannt, weil der, in den eigenen Worten des Komponisten, „eine Art östliche Reise beschreibt, die bis in den Fernen Osten reicht“.

BIS BIS-SACD-2300, VÖ: 3.4.2019, 7318599923000

Triumvirat - Gambenmusik der Ära Schenck, Kühnel und Hoffler: Johann Schenck: Ouvertüre 66; Sonate 4 solo; Sonata I - August Kühnel: Sonata II; Partita XIII - Conrad Höffler: Suite I - Juliane Laake, Viola da gamba - Ensemble Art d‘Echo

Waren es zu Beginn des 17. Jahrhunderts die Engländer, die als ausgewiesene Kenner und Virtuosen der Gambe galten, liefen ihnen diesen Rang um die Mitte des Jahrhunderts die Franzosen ab. Diese wiederum mussten gegen Ende des Jahrhunderts jene führende Position mit den an deutschen Höfen tätigen Gambisten zumindest teilen oder sie ihnen gar überlassen. Der damaligen musikalischen Welt waren Johann Schenck, August Kühnel sowie Conrad Höffler als Gambenvirtuosen und ausgesprochene Meister ihres Fachs wohlbekannt. Aber gegen die nachhaltige PR eines Sonnenkönigs, deren Strahlkraft auch seine Musiker und hier insbesondere die Hofgambisten Marin Marais sowie Antoine Forqueray weit über die Grenzen der Länder und Jahrhunderte berühmt machte, waren die zeitgleich an den vergleichsweise kleinen deutschen Höfen tätigen Gambisten machtlos. Wiewohl ihre erhaltenen Werke den französischen an Eleganz, Virtuosität und idiomatischer Charakteristik in nichts nachstehen, ist der Ruhm der Schöpfer dieser musikalischen Kunstwerke verhallt – höchste Zeit, dieses Ungleichgewicht zu beenden und drei großen Gambisten und ihrer einzigartigen Kunst die Aufmerksamkeit zu schenken, die ihnen zusteht! Die dritte bei querstand erschienene CD von Juliane Laake und ihrem Ensemble Art d’Echo enthält aus dem Schaffen der drei genannten historischen deutschen Gambengrößen drei Sonaten sowie je eine Ouvertüre, Suite und Partita. Drei der fünf Sätze aus Johann Schencks Sonata 4 solo, die als Autograph auf verschlungenen und noch nicht erforschten Pfaden in die Österreichische Nationalbibliothek in Wien gelangte, erfahren hier ihre erstmalige Einspielung.

Querstand VKJK1815, VÖ: 10.4.2019, 4025796018158

Orgel vierhändig - Strawinsky: Der Feuervogel - Mussorgsky: Bilder einer Ausstellung - Viviane Loriaut, Guy Bovet, Orgel

An der Orgel der Hofkirche in Luzern entstand diese klangprächtige Aufnahme von höchst virtuosen Bearbeitungen aus der Feder von Guy Bovet, früher Professor an der Baseler Musikakademie und Titularorganist der Stiftskirche von Neuchâtel. Bis heute ist Bovet als Konzertorganist und Komponist (über 250 Werke) aktiv. Neben ihm sitzt seine ehemalige Schülerin Viviane Loriaut auf der Orgelbank, die auch bei Marie-Louise Langlais und Michel Chapuis studierte. Sie ist Organistin der Kathedrale Evreux in der Normandie und unterrichtet am Pariser Konservatorium.

Gallo GAL-CD-1539, VÖ: 10.4.2019, 7619918153925

Musik in Bologna um 1660 - Motetten, Arien und Canzonetten von Carlo Donato Cossoni und Maurizio Cazzati - Ensemble Philomèle

Das Programm bietet eine faszinierende Reise durch typische geistliche und weltliche Musik Italiens und präsentiert zwei wichtige Persönlichkeiten des Musiklebens in Bologna zur Mitte des 17. Jahrhunderts: Maurizio Cazzati (1616–1678) und Carlo Donato Cossoni (1623–1700). Für beide hatte der Umzug nach Bologna einen großen Einfluss auf ihre künstlerische Karriere. Die Werkauswahl zeigt, wie groß die Aufbruchstimmung dieser Zeit war, die Lust am Experiment, die Freiheit im Umgang mit überkommenen Formen und Stilen. Das Ensemble Philomèle vereint fünf junge Musiker, die sich für Alte Musik begeistern. Gemeinsam erkunden sie das Repertoire aus dem 17. Jahrhundert mit einer besonderen Neigung zum „Stylus Phantasticus“. Im Jahr 2011 nahmen sie „The Pleasures and Vanities of the Nightingale“ auf, eine CD mit beschreibender Musik, die durch das Symbol dieses nächtlichen Vogels in der italienischen Musik des 17. Jahrhunderts inspiriert wurde. Seit 2014 durchforsten sie die musikalischen Schätze der Biblioteca della Musica in Bologna und entdeckten vergessene Kompositionen von Carlo Donato Cossoni und Maurizio Cazzati. Diese Entdeckungen inspirierten sie zu einer Konzerttournee und einer Aufnahme des Cazzati / Cossoni-Programms. Das Ensemble wurde zu künstlerischen Aufenthalten im Centre Culturel Voce von Pigna (Korsika), in der Cité de la Voix in Vézelay und zu einem Aufenthalt bei den Dominikanern des Centre Culturel de Rencontre von Guebwiller (Frankreich) eingeladen.

Claves CLA50-1820, VÖ: 17.4.2019, 7619931182025

Harmonium Atlas - Eine Reise durch die goldene Zeit des Harmoniums - Dirk Luijmes

Nachdem Alexandre Debain 1840 das erste Harmonium der Öffentlichkeit vorstellte, entstand eine Vielzahl von Werken für dieses Instrument. Viele Komponisten der Romantik schätzten das Harmonium mit seinen kleinen Metallzungen und der ganz eigenen sonoren Klangfarbe und den einzigartigen Expressionsmöglichkeiten. Insbesondere der Dynamikumfang kam dem romantischen Geschmack entgegen. Für seine Anthologie hat Dirk Luijmes Werke ausgesucht, deren Schöpfer generell vor 1900 geboren waren und somit in das „goldene Zeitalter“ dieses Instruments gehörten. Dazu gehören bekannte wie auch unbekannte Komponisten; entscheidend war, dass sie sich eindeutig zum Harmonium bekannten. Und so unternimmt der Interpret eine Reise durch ganz Europa, Russland, die USA und Australien. Dirk Luijmes studierte Orgel, Cembalo und Kirchenmusik an der Kunsthochschule in Arnheim bei Dr. Hans van Nieuwkoop, Bert Matter und Chris Farr. Er studierte außerdem Musikwissenschaft an der Universität Utrecht. 1992 wurde er Preisträger beim Nationalen Organimprovisationswettbewerb der Niederlande und ein Jahr später beim Europäischen Orgelimprovisationswettbewerb. Neben seiner Begleitung verschiedener Ensembles tritt er als Solist auf und hat diverse Aufnahmen für TV, Radio und CD gemacht. Als Musikwissenschaftler arbeitet er freiberuflich am Concertgebouw Amsterdam und schreibt Beiträge für verschiedene Zeitschriften. Er ist künstlerischer Leiter der Stichting Longen & Tongen und Organist der Großen Kirche in Elst. Nachdem er von Victor Mustel ein wunderschönes französisches Harmonium erhalten hatte, widmete er sich diesem vergessenen Instrument. Er bat mehrere Komponisten (darunter Willem Breuker, Gilius van Bergeijk, Hanna Kulenty, Guus Janssen und Andries van Rossem), Stücke für sein Instrument zu schreiben. Luijmes ist auch als Clavichord- und Flötenspieler tätig. Seine Aufnahme von Paddings Harmoniumkonzert wurde mit einem Edison Klassik ausgezeichnet.

Quintone Q1901, (4 CD), VÖ: 17.4.2019, 9789078740575

Johann Sebastian Bach - Cellosuiten 1-6 - Rachel Podger, Violine

Zu ihrer Ersteinspielung der Cellosuiten auf der Violine sagt Rachel Podger: „Seit langem schon unterrichte ich auch Cellisten, sowohl für moderne wie auch historische Wiedergabe, und ich spiele mit, um verschiedene Dinge zu zeigen. Allmählich spürte ich, wie diese Stücke parallel zu den Violinpartiten und -sonaten als eine andere Art von „täglichem Brot“ kamen; Ich fing an, einige der Sätze zu spielen, die ich beim Aufwärmen besonders liebte. Mir wurde klar, dass es tatsächlich möglich ist, sie auf der Geige zu spielen und auf der höheren Lage des Instruments ein besonders ausdrucksstarkes Vokabular zu finden. Aber wie könnte man eine solche Wiedergabe von Werken rechtfertigen, die den Aufnahmekatalog um einige der ikonischsten und am meisten verehrten Streicheraufführungen aller Zeiten bereichert haben, den Einspielungen von Casals, Fournier, Tortelier oder Starker? Was ich tue, scheint aber durchaus in Übereinstimmung mit Bachs eigener Gewohnheit zu sein, seine eigenen Kompositionen für verschiedene Instrumente und verschiedene Zwecke zu verwenden. Die Beispiele sind endlos, aber ich denke sofort an die Konzerte, die als Sinfonien in Kantaten wiederkehren, oder Konzerte für Violine, die zu Cembalokonzerten werden. Je mehr ich darüber nachdenke, desto weniger sehe ich die Notwendigkeit, mich zu verteidigen, weil Bach selbst viel Ungeheuerlicheres getan hat! Denken Sie an das Präludium der E-Dur-Partita für Violine, die in einen vollen Orchesterkantatensatz mit Trompeten und Pauken umgewandelt wurde.“

Channel Classics CCSSA41119, (2 SACD), VÖ: 2.5.2019, 723385411192

Johann Sebastian Bach - Goldbergvariationen, BWV 988 - Trio Zimmermann: Frank Peter Zimmermann, Violine - Antoine Tamestit, Viola
Christian Poltéra, Cello

Seit fast 300 Jahren begeistern Bachs Goldberg-Variationen Künstler und Hörer durch eine unvergleichliche Kombination aus schillernder Ausdruckskraft und atemberaubender Virtuosität mit erstaunlicher polyphoner Meisterschaft. Kein Wunder, dass auch andere Musiker als Cembalisten sich das Werk zu eigen machen wollten - vor allem Pianisten, aber auch Akkordeonisten und Gitarristen, Flötisten und Harfenisten. Das Trio Zimmermann spielte und nahm bisher sowohl das klassische als auch das moderne Streichtrio-Repertoire auf und begann vor einigen Jahren, an den Goldberg-Variationen zu arbeiten. Dabei spielten sie ein schon bestehendes Arrangement. Aber nach ihren eigenen Worten wurden die drei Mitglieder - allesamt führende Interpreten unserer Zeit - „von der Originalpartitur und ihren unzähligen Schönheiten und Details fasziniert“. Als Ergebnis haben sie gemeinsam eine eigene Version erarbeitet, die hier in Ersteinspielung vorliegt. Eine wichtige Rolle auf dieser CD spielen auch die Instrumente des Trios - allesamt aus der Werkstatt von Antonio Stradivari.

BIS BIS-SACD-2347, VÖ: 2.5.2019, 7318599923475

Francesco Cavalli (1602-1676) - L‘Ormindo - Wakefield, Runge, Garcisanz, van Bork, Alister, Cuénod, Howells, Berbié, Davia, Van Allan - London Philharmonic Orchestra, Raymond Leppard

Ein Meilenstein der barocken Opernaufnahmen, neu remastert. Diese „königliche Unterhaltungsmusik“ wurde von Cavalli auf ein Libretto von Giovanni Faustini geschrieben und 1644 in Venedig aufgeführt, zwei Jahre nachdem „L‘incoronazione di Poppaea“ entstanden war. In „Ormindo“ verfolgen wir die Abenteuer zweier Liebespaare, die vor dem unvermeidlichen Happy End lügen, betrügen und voreinander flüchten. Eine Todesszene im Gefängnis für den gleichnamigen Prinzen und seine Geliebte Erisbe wurde durch ihr eindrückliches Pathos über die Oper hinaus bekannt.
1967 leitete Leppard „Ormindo“ beim Glyndebourne Festival und läutete damit die Wiederbelebung von Cavallis Vermächtnis an. Kritiker stellten die bedeutenden Überarbeitungen und Umgestaltungen des Dirigenten fest, waren sich jedoch einig, dass sie hier erstmals das Werk eines wegweisenden Opernkomponisten hörten und auf der Bühne sahen und das bei Aufführungen, die sowohl der Musik als auch dem Drama in vollem Umfang gerecht wurden. Leppard und Glyndebourne sorgten für eine üppige Continuo-Besetzung und wurden für die damalige Zeit der reich verzierten Sprache der venezianischen Oper des 17. Jahrhunderts überaus gerecht. Der große Erfolg von „Ormindo“ in Glyndebourne führte zu einer Fortsetzung mit Leppards ähnlich einfallsreicher Umsetzung von „Calisto“, die ebenfalls von Eloquence (482 9400) neu aufgelegt wurde. „L‘Ormindo“ war seit langem nicht mehr verfügbar, und das Booklet enthält die Originaltexte von Raymond Leppard und eine Zusammenfassung.

Eloquence ELQ4829382, (2 CD), VÖ: 8.5.2019, 0028948293827

Jean-Philippe Rameau (1683-1764) - Hippolyte et Aricie - Tear, Hickey, Rhys-Thomas, Baker, Blans, Woodland, Fleet, Shirley-Quirk, English, Stalman - St. Anthony Singers - English Chamber Orchestra, Anthony Lewis

Dies ist erste kommerzielle Aufnahme von Rameaus erster Oper. Dank mehrerer Veröffentlichungen von Eloquence ist die Pionierarbeit von Anthony Lewis auf dem Gebiet der Barockoper ab sofort verfügbar: „The Fairy Queen“ (482 7449) von Purcell, Händels „Semele“ (482 5055) und eine Sammlung von Händel-Arien (482 4759) wurden alle zum Zeitpunkt ihrer ursprünglichen Veröffentlichung in den 1950er und 60er Jahren von den Kritikern hoch gelobt und haben durch die neuen Eloquence-Remasterings ein neues und dankbares Publikum gewonnen. Weitere Lewis-Neuauflagen sind in Vorbereitung.
Als Direktor einer jährlichen Serie von Operninszenierungen des Barber Institute in der Universität Birmingham brachte Lewis zunächst ein lokales Publikum mit Barockopern in Berührung, und dann ein internationales Publikum mit diesen Aufnahmen von Decca und Argo. Denn diese faszinierenden Werke sollten nicht Gelehrten vorbehalten bleiben, sondern die Chance haben, so beliebt zu werden wie Werke von Mozart und Puccini.
Rameaus Platz im Pantheon der Barockkomponisten neben Bach und Händel ist jetzt gesichert, dies auch dank der überzeugenden Kraft und Intensität von Aufnahmen wie dieser von „Hippolyte et Aricie“, aufgenommen im Juli 1965 in Deccas West Hampstead-Studios. Die Handlung beschreibt Phaedras inzestuöse Liebe zu ihrem Sohn Hippolytus, dessen ebenso hoffnungslose Liebe zu Aricia und viel gewalttätige göttliche Intervention und Vergeltung. Tatsächlich hatte diese klassische Tragödie nicht den Ruf anderer Bühnenwerke von Rameau zu dessen Lebzeiten genossen, aber sie wird jetzt (nicht zuletzt dank Lewis 'Bemühungen) als einer der Höhepunkte in der Arbeit des Komponisten anerkannt.

Eloquence ELQ4829394, (2 CD), VÖ: 8.5.2019, 0028948293940

Me and My World - Lieder und Instrumentalwerke von Mancini, Debski, Sullivan, Paganini, Benedict, Rodgers, Grothe, Strauss, Walter, Kreuder, Kilar, Mozart, Brower - Katarzyna Dondalska, Sopran - Marc Secara, Vocal - Maksym Dondalski, Violine - Orkiestra Symfoniczna Filharmonii Koszalinskiej, Stefan Johannes Walter

Katarzyna Dondalska studierte Gesang und Violine an der Musikakademie in Würzburg. Sie war Finalistin in mehreren hochkarätigen internationalen Gesangswettbewerben und gewann zahlreiche Preise. 2011 promovierte sie an der Musikakademie in Gdansk. Zu ihren Paraderollen gehören Partien wie Mozarts „Königin der Nacht“ und „Konstanze“, Strauss’ „Zerbinetta“, Stravinskys und Braunfels’ „Nachtigall“, Offenbachs „Olympia“ oder Rossinis „Rosina“, die sie an Häusern wie der Grand Opera Houston, der Welsh National Opera Cardiff, der Korean National Opera Seoul, dem Teatro Colon Buenos Aires, dem Teatro Lirico di Cagliari, dem Nationaltheater Mannheim, dem Teatr Wielki Warschau und vielen mehr erfolgreich gesungen hat. Internationale Konzertreisen führten sie in bekannte Säle wie die New Yorker Avery Fisher Concert Hall, die Disney Concert Hall in Los Angeles, das Washingtoner John F. Kennedy Center for the Performing Arts, die Chicago Music Hall, das John Bassett Theatre Toronto, das Konzerthaus Stockholm, das DR Koncerthuset Kopenhagen, den Königin-Elisabeth-Saal Brüssel, die Alte Oper Frankfurt, die Kölner Philharmonie, die Philharmonie Berlin, den Carl-Orff-Saal am Gasteig München oder das Konzerthaus am Gendarmenmarkt Berlin.

Acte Préalable AP0430, VÖ: 22.5.2019, 5901741654307

Joseph und Michael Haydn + Orgelkonzerte: Joseph Haydn: Konzert C-dur - Michael Haydn: Doppelkonzert für Orgel, Viola und Streicher - Karol Golebiowski, Orgel - Marcin Murawski, Viola - Academia Ensemble, Bohdan Boguszewski

Bis heute gehen die Meinungen darüber auseinander, ob Joseph Haydns C-dur-Konzert eigentlich für Orgel oder doch für das Cembalo gedacht ist. Denn es nutzt nur ein Manual und zeichnet sich durch eine lebhafte Figuration aus, die auf dem Cembalo gut zur Geltung kommt. Das Autograph spricht von einem „Concerto per l‘organo“, während die Einsortierung im Katalog von 1765 das Werk eher zu den Cembalowerken stellt. Michael Haydns Doppelkonzert nimmt eine Alleinstellung ein; es ist das einzige Konzert für diese ungewöhnliche Instrumentenkombination.

Acte Préalable AP0448, VÖ: 22.5.2019, 5901741654482

Johann Sebastian Bach - Die vier Lautensuiten - Franz Halász, Gitarre

Die universelle Anziehungskraft der Musik von Johannes Sebastian Bach ist so groß, dass sich die meisten Musiker, unabhängig von ihrem Instrument, danach sehnen, sie zu spielen. Infolgedessen werden seine Werke ständig für andere Instrumente arrangiert - in Anlehnung an eine von Bach selbst stets geübte Praxis, seine eigene Musik und die anderer immer wieder zu überarbeiten und zu arrangieren. Ein Beispiel dafür sind die vier sogenannten Lautensuiten, die mittlerweile zum Standardrepertoire der meisten Konzertgitarristen gehören. Inwieweit sie ursprünglich für ein Zupfinstrument komponiert wurden, war schon immer umstritten und hat zu vielen Hypothesen geführt. Sie stammen aus verschiedenen Perioden in Bachs Karriere und reichen von jugendlichem Elan (BWV 996) über den Höhepunkt künstlerischen Schaffens (BWV 995, 1006a) bis zu ruhiger Reife (BWV 997). Für diese Aufnahme hat Franz Halász zwei der Suiten selbst transkribiert und die anderen in Bearbeitungen von Ansgar Krause aufgenommen. Aus praktischen Gründen werden die Suiten in g-Moll und c-Moll normalerweise transponiert, wenn sie auf der Gitarre gespielt werden. Die vorliegenden Arrangements haben es jedoch möglich gemacht, alle vier Werke zum ersten Mal auf der Gitarre in ihrer Originaltonart aufzunehmen. Eine ungewöhnlich großzügige Spielzeit (mehr als 82 Minuten) ermöglicht es außerdem, sie auf einer einzigen Disc zu sammeln.

Bis BIS-SACD-2285, VÖ: 29.5.2019, 7318599922850

Johannes Brahms - Die fünf Sonaten für Violine und Klavier, vol. 1: Sonate f-moll, op. 120,1 - Sonate Nr. 1 G-dur op. 78 - Scherzo aus der F.A.E. Sonate - O kühler Wald, op. 72,3 - An die Nachtigall, op. 46,4 - Ulf Wallin, Violine  - Roland Pöntinen, Klavier

Auf die Frage „wie viele Sonaten für Violine und Klavier hat Johannes Brahms komponiert?“ antworten viele Liebhaber der Kammermusik wahrscheinlich mit „drei“ und fügen vielleicht auch ihre jeweiligen Tonarten und Opusnummern hinzu. Bei Nachfrage würden sich einige sicher auch an die sogenannte F.A.E. Sonate erinnern, ein Gemeinschaftsprojekt des jungen Brahms, Albert Dietrichs und ihres Mentors Robert Schumann. Die beiden Sonaten op. 120, die 1894 für Klarinette (oder Bratsche) und Klavier komponiert wurden und ein Jahr später in der eigenen Version für Violine veröffentlicht wurden, werden wohl nur ganz wenigen in den Sinn kommen. Da der Tonumfang der B-Klarinette um ein Viertel unter dem der Violine liegt, musste Brahms die Klarinettenstimme erheblich überarbeiten, was wiederum Änderungen in der Klavierstimme und deshalb den Druck einer neuen Klavierpartitur zur Folge hatte . Das erfahrene Team des Violinisten Ulf Wallin und des Pianisten Roland Pöntinen hat nun beschlossen, alle Brahms-Sonaten aufzunehmen. Die Ergebnisse werden auf zwei CDs veröffentlicht, die erste einschließlich der ersten „offiziellen“ Sonate Nr. 1 in G-Dur op. 78, der f-moll Sonate aus op. 120 und Brahms‘ Scherzo aus der F.A.E. Sonate. Wallin und Pöntinen runden das Programm mit Transkriptionen von zwei eher lyrischen Liedern von Brahms ab.

BIS BIS-SACD-2369,  VÖ: 29.5.2019, 7318599923697

After the Darkness - Hans Krasa: Passacaglia und Fuge; Tanec - Gideon Klein: Streichtrio - László Weiner: Serenade - Dick Kattenburg: Trio à cordes - Mieczyslaw Weinberg: Streichtrio op. 48 - The Hague String Trio

Fast fünfundsiebzig Jahre nach der Befreiung im Mai 1945 spielt der Zweite Weltkrieg immer noch eine wesentliche Rolle in der europäischen Politik, in unserem Denken und Handeln. In gewisser Weise gehört diese CD auch zur Kategorie der jüngst entdeckten Zeugnisse aus den dunklen Jahren zwischen 1933 und 1945. Erst ein Vierteljahrhundert nach dem Krieg begannen die Menschen nach und nach zu „entdecken“, wie viel Musik durch den Krieg verloren gegangen war. Noch heute werden regelmäßig unbekannte Kompositionen aus jener Zeit entdeckt und als verloren geglaubte Werke wiedergefunden.
Die Musik auf dieser CD stammt von Komponisten, deren Leben im Zweiten Weltkrieg durch Verfolgung, Mord oder Exil zerstört wurde. Der Titel der CD bezieht sich auf das Buch des Auschwitzer Überlebenden Elie Wiesel: „After the Darkness - Reflections on the Holocaust“. Das Projekt After the Darkness bedeutet dem Haager Streichtrio viel. Sie empfinden es als ein Privileg, die Musik dieser Komponisten spielen zu können, um ein bleibendes Zeugnis zu schaffen, damit ihre Musik niemals vergessen wird und nach der Dunkelheit weiterleben wird. Das Haager Streichtrio wurde 2006 von Justyna Briefjes, Julia Dinerstein und Miriam Kirby gegründet. Sie kamen zusammen, um ihre Liebe zur Kammermusik zu teilen und haben sich über die Jahre als Ensemble stark verbunden. Das Trio erkundet gerne das umfangreiche Streichtrio-Repertoire, von geschätzten Meisterwerken bis hin zu weniger bekannten Kompositionen, die seiner Meinung nach mehr Anerkennung verdienen. Sie arbeiten auch eng mit Komponisten wie Robin Holloway, Kerry Woodward, Arne Werkman und Reza Nakisa sowie mit anderen Musikern wie der Oboistin Pauline Oostenrijk und dem Pianisten Daniël Kramer zusammen, mit denen sie regelmäßig spielen. Das Haager Streichtrio tritt in den Niederlanden auf und gibt jedes Jahr Konzerte in England und Deutschland, wo es engagierte Anhänger gefunden hat.

Cobra COBRA0065, VÖ: 5.6.2019, 8713897904413

Heritage (Erbe)- Musik aus Madrid zu Goyas Zeit. Boccherini: Quartett Es-dur op. 24.3 - Brunetti: Quartett B-dur - Canales: Quartett G-dur op. 3,5 - Almeida: Quartett d-moll op. 6,2 - Cuarteto Quiroga

Diese CD versucht musikalisch zu veranschaulichen, wie Madrid im letzten Drittel des 18. Jahrhunderts zu einer der aktivsten Hauptstädte der europäischen Streichquartettszene wurde. Rund um den königlichen Hof blühten die Künste auf, und während der inzwischen weltberühmte Francisco de Goya Kammermaler für den königlichen Haushalt war, hatte sich eine Reihe äußerst talentierter, geschickter und brillanter Komponisten, wie Boccherini, Brunetti, Canales, Almeida versammelt und einen großen Katalog an Kammermusik - insbesondere Streichquartette - zusammengestellt, der heute leider ohne musikalische Begründung in Vergessenheit geraten ist oder mit Geringschätzung betrachtet wird. Diese neue CD des international anerkannten, in Madrid ansässigen Cuarteto Quiroga, das mit Darmsaiten und in historischer Aufführungspraxis spielt, präsentiert eine repräsentative Anthologie der Streichquartettproduktion in Goyas Madrid - einschließlich zweier Weltpremieren - und zeigt ihren großen musikalischen Wert. Das Cuarteto Quiroga, Träger von Spaniens Nationalem Musikpreis 2018, mit Sitz im Madrider Cerralbo-Museum und seit Jahren Ensemble in Residence mit ausgezeichneten Stradivari-Instrumenten im Königspalast von Madrid, hat sich als eines der dynamischsten Quartette seiner Generation etabliert. Die früheren COBRA-Alben des Quartetts „Statements“ (Haydn, Webern & Sollima), „(R) Evolutions“ (Schönberg, Webern, Berg), „Frei aber Einsam“ (Brahms) und „Terra“ (Bartók, Ginastera, Halffter) wurden von der internationalen Presse gelobt und mehrfach ausgezeichnet.

Cobra COBRA0067, VÖ: 5.6.2019, 8713897904475

Bonifazio Graziani - Vespro della Beata Vergine - Winter, Zumsande, Euler, Ludwig, Grobe - La Festa Musicale - Collegium Vocale Hannover, Florian Lohmann

Die Marienvesper von Bonifazio Graziani eröffnet eine ungeahnt reiche Welt der Vokalmusik. Es gibt im gesamten 17. Jahrundert kaum einen weiteren Komponisten, der die Möglichkeiten der kombinierten doppelchörig-solistischen Klangtechnik so eindrucksvoll im Dienste der Textausdeutung ausgeschöpft hat wie Graziani. Unter der Regentschaft des Welfenherzogs Johann Friedrich (1665-1679) gab es einen intensiven Austausch von Hannover mit den großen jesuitischen Musikzentren der Ewigen Stadt. Davon zeugen die „Psalmi vespertini binis choris“ von Graziani: Sie sind Johann Friedrich gewidmet, und aus ihnen wurde die vorliegende Marienvesper zusammengestellt. Der Live-Mitschnitt der neuzeitlichen Erstaufführung ist auf dieser CD als eindrucksvolle Weltersteinspielung festgehalten.

Arcantus ARC19016,  VÖ: 12.6.2019, 4260412810161 Ersteinspielung

Hindemith dirigiert Hindemith - Symphonie „Mathis der Maler“ - Thema mit Variationen - Symphonische Metamorphosen - Symphonia serena - Nobilissima Visione - Hornkonzert - Dennis Brain, Horn - Berliner Philharmoniker - Philharmonia Orchestra - Paul Hindemith

Dieses Doppelalbum bietet nahezu alle Stereo-Aufnahmen syphonischer Meisterwerke Hindemiths der Jahre 1955 und 1956 mit ihm selbst am Pult. Aufgenommen wurde teils von der Columbia, teils von der Deutschen Grammophon. Ein besonderes Highlight ist das Hornkonzert mit dem legendären Bennis Brain als Solisten.

Urania WS121377, (2 CD), VÖ: 12.6.2019, 8051377573774