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Hier stellen wir einige Neuerscheinungen unserer Partnerfirmen vor

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Bielefelder Kataloge - Nummer 1 der internationalen Plattformen für Klassische Musik mit bibliographischem Aufbau

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Carmina burana - Eine mittelalterliche Sammlung - New London Consort, Philip Pickett

Eine wegweisende Sammlung mittelalterlicher Musik, deren Interpretation zum ersten Mal seit vielen Jahren wieder zugänglich ist. Die Carmina Burana ist die berühmteste aller Schätze mittelalterlicher lateinischer und mittelhochdeutscher Dichtung, benannt nach dem Kloster Benediktbeuren, in dem sie zusammengetragen und aufbewahrt wurde. Allgemein bekannt wurde sie durch Carl Orffs einstündige Auswahl aus der reichen Sammlung von Liebestexten, Studentenliedern und religiösen Gedichten in lateinischer und altdeutscher Sprache. In den sechziger und siebziger Jahren unternahmen einige Ensembles der Alten Musik mehr oder weniger erfolgreiche Anstrengungen, die einzigartige Mischung aus weltlichen und geistlichen Beiträgen zu interpretieren. Eine systematische Annäherung an die Carmina Burana musste jedoch bis in die späten 1980er Jahre warten, als eine der innovativsten britischen Frühmusikgruppen im Auftrag von Deccas L‘Oiseau-Lyre ein Projekt zur Aufnahme von über einem Viertel der über 200 Lieder startete. Die erste Folge der Carmina Burana war nur die zweite Aufnahme des New London Consort und seines Gründungsdirektors Philip Pickett, aber das Album wurde schnell als Meilenstein für die weitere Verbreitung mittelalterlicher Musik erkannt. Kritiker lobten die Treue zum Gestus und Text der Carmina Burana, den eloquente und oft witzigen textbezogene Gesang von Catherine Bott, Michael George und anderen, und die fantasievolle Verwendung eines vollständigen mittelalterlichen Instrumentariums. Nach dem Erfolg von vol. 1, das Anfang 1986 aufgenommen wurde, nahm L’Oiseau-Lyre ein Jahr später drei weitere Alben auf, die die Grundlage für den breiteren internationalen Ruf des New London Consort bildeten. Seit Picketts Carmina Burana 1996 als Set herausgegeben wurde, war es seit langem nicht mehr verfügbar: eine bedeutende Lücke in der Diskographie alter Musik, die mit dieser Ausgabe gefüllt wird.

Eloquence ELQ4827315, (4 CD), VÖ: 19.6.2019, 0028948273157

The Last Night of the Proms - Highlights aus den Jahren 1969, 1971, 1972 - Jessye Norman, Sopran
Elizabeth Bainbrigde, Mezzosopran - BBC Chorus • BBC Singers • BBC Choral Society - BBC Symphony Orchestra, Sir Colin Davis

Zum ersten Mal zusammengestellt: historische Aufnahmen des großen Finales des weltgrößten Musikfestivals. 1969 hielt Philips die einzigartige Atmosphäre der letzten Nacht der Proms fest. Zeremonienmeister war Sir Colin Davis, der zwei Jahre zuvor Chefdirigent des BBC Symphony Orchestra geworden war. In den 1960er Jahren hatte er auch eine Zusammenarbeit mit dem niederländischen Label begonnen, die schnell dank seines sicheren Umgangs mit Chören Anerkennung fand. Dies wurde 1966 in einer BBCSO-Aufnahme von Händels Messias deutlich, in seiner genialen und maßgeblichen Art, mit englischer Musik von Elgar bis Tippett umzugehen, und in seiner leidenschaftlichen Überzeugung und Hingabe für die Musik von Hector Berlioz. All diese Qualitäten können in dieser Anthologie nachvollzogen werden. Die von Philips aus der letzten Nacht von 1969 ausgewählten Auszüge begannen mit „Cockaigne“, der vielleicht besten Einführung in die Musik von Elgar dank seiner brillanten Orchestrierung und seiner Größe, den Geist Londons darzustellen, und setzten das abschließende Ritual des Konzerts fort mit „Pomp und Circumstance“, „Rule Britannia“, „Jerusalem“ und natürlich der Nationalhymne. Das Album wurde ein Hit. Davis teilte nicht die überschäumende Showmanier seines Vorgängers an der Spitze der Last Night, Sir Malcolm Sargent, und brachte dennoch eine ganz eigenen Stil ein, und so nahm Philips eine Fortsetzung von Ausschnitten 1971 und 72 auf. Ein besonderes Highlight ist Jessye Norman mit zwei von Wagners Wesendonck-Liedern. Diese Neuauflage von Eloquence präsentiert sowohl vollständige Originalalben als auch neu gemasterte Stücke aus den analogen Quellen.

Eloquence ELQ4829370, (2 CD), VÖ: 19.6.2019, 0028948293704

Englische Orchesterwerke - Sir Edward Elgar: Variations on an Original Theme, op. 36 („Enigma-Variationen“) - Gustav Holst: The Planets, op. 32 - Bergen Philharmonie, Andrew Litton

Es ist bemerkenswert, dass zwei der Klassiker englischer Orchestermusik um die Jahrhundertwende innerhalb von fünfzehn Jahren komponiert wurden. Elgars Enigma Variations begeistern und faszinieren die Zuhörer seit ihrer Uraufführung im Jahr 1899. In 14 bemerkenswert unterschiedlichen Variationen demonstrierte Elgar seine kompositorische Meisterschaft und schuf Miniaturporträts seiner engsten Freunde sowie seiner Frau und seiner selbst. Abwechselnd sanft, idyllisch, stürmisch und ausgelassen bilden die oft nahtlos ineinander übergehenden Stücke dennoch ein zusammenhängendes Ganzes, wie ein Gruppenporträt, das auf einem Wochenendtrip aufgenommen wurde. Was den Titel angeht, so verkündete Elgar, der Rätsel liebte, dass eine schon vorhandene Melodie dem Thema zugrunde läge, und Musikwissenschaftler haben seitdem erfolglos nach der Lösung des Rätsels gesucht. 1916 schrieb Gustav Holst eine Reihe musikalischer Charakterskizzen - die Suite The Planets. Diese sieben Sätze haben wenig mit Astronomie zu tun und noch weniger mit den römischen Gottheiten, deren Namen sie tragen. Holst war eher von der Astrologie inspiriert und die Suite befasst sich eigentlich mit dem menschlichen Charakter, wie er von den Planeten beeinflusst wird. Das Konzept - wie das von Elgars Variationen - sorgt für eine Vielzahl von Stimmungen und Ausdrucksformen, und in seiner Partitur hat Holst diese Möglichkeiten voll ausgenutzt. Dazu bediente er sich eines großen Orchesters mit viel Schlagzeug, zwei Harfen, Celesta, Orgel und acht Pauken. Er gibt auch Stimmen für ungewöhnliche Instrumente wie Bassflöte, Bassoboe und Tenortuba, und im letzten Satz wird auch noch ein Frauenchor eingesetzt. Das Programm wurde in der spektakulären, warmen Akustik von Bergens Grieg Hall eingespielt.

BIS BIS-SACD-2068, VÖ: 3.7.2019, 7318599920689

L‘Esprit des Six - Francis Poulenc: Sonate für Klarinette und Klavier B-dur - Sonate für Klarinette und Fagott - Sonate für zwei Klarinetten - Darius Milhaud: Sonatine für Klarinette und Klavier op. 100 - Duo Concertant für Klarinette u. Klavier op. 351 - Georges Auric: Imaginées für Klarinette und Klavier - Germaine Tailleferre: Arabesque für Klarinette und Klavier - Sonate für Klarinette solo - Arthur Honegger: Sonatine für Klarinette und Klavier - Davide Bandieri, Calogero Presti, Klarinette - Axel Benoit, Fagott - Guillaume Hersperger, Klavier

«Les Six», bestehend aus Darius Milhaud (1892-1974), Arthur Honegger (1892-1955), Germaine Tailleferre (1892-1983), Georges Auric (1899-1983), Louis Durey (1888-1979) und Francis Poulenc ( 1899-1963), war in den 1920er Jahren in Paris aktiv. Jean Cocteau (1889-1963) war ihr Dichter und Sprecher, und die Gruppe betrachtete Erik Satie (1866-1925) als ihren spirituellen Meister. Treffen verschiedener Künstlerkreise in den Pariser Salons ermöglichten damals die Entstehung von Kollaborationen zwischen Künstlern, das Lesen von Gedichten, die Präsentation der neuesten Musikkompositionen oder die Ausstellung von Gemälden. In diesem Zusammenhang lernten sich die sechs damals etwa zwanzigjährigen Musiker durch die vielen Salons nach und nach kennen. 1919 wurde der Name «Les Six» geschaffen: Henri Collet, ein Journalist, schlug vor, ihnen diesen Namen zu Werbezwecken in Analogie zur Gruppe der Fünf (Versammlung russischer Musiker des 19. Jahrhunderts [Mussorgsky, Borodin, Balakirev, Cui, Rimsky-Korsakov]) zu geben. Die Zeitschrift „Le Coq“ erschien zwischen April und November 1920 unter der Federführung von Cocteau und wurde zum Verbreitungsorgan der Gruppe, auch wenn diese ihre Position klarstellte: „Die Coq ist das Organ keiner Schule ... Nichts ist weniger edel ... Die Tür steht weit offen ... „ Obwohl alle aus unterschiedlichen Richtungen stammten und ihren individuellen Schreibstil beibehielten, schlossen sich die Mitglieder von «Les Six» gegen Impressionismus und Wagnerismus zusammen. Eine mit populärer Einfachheit gefüllte Form charakterisiert ihre musikalische Ästhetik. Ab 1921 wurde jedoch Cocteaus Vorgabe („Auric, Milhaud, Poulenc, Tailleferre, Honegger, ich lege Ihren Blumenstrauß in das Wasser desselben Glases“) mit beginnendem Ruhm konfrontiert, der die Gruppe sprengte („Cocteau versuchte, uns in die gleiche Vase zu setzen, aber wir haben es nicht ausgehalten“). Trotz des kurzen Bestehens der Gruppe haben neben ihren Kompositionen mit humoristisch-absurden Titeln (wie Caramel mou, Salad oder Danse de la Chèvre) emblematische Werke wie das Album des Six, Le boeuf sur le toit oder Les mariés de la tour Eiffel den Weg ins Repertoire gefunden.

Claves CLA50-1804, VÖ: 3.7.2019, 7619931180427

Paul Hindemith - Ludus Tonalis - Käbi Laretei, Klavier

Hindemith schrieb „Ludus tonalis“ 1942, als er als Flüchtling aus dem nationalsozialistischen Deutschland in den USA weilte. Der einstündige Klavierzyklus selbst bezieht sich auf die alte Welt des Kontrapunkts, bestehend aus zwölf Fugen und Zwischenspielen, umrahmt von einem Präludium und seinem Spiegelbild als Nachspiel. Es ist ein Monument der modernen Klavierliteratur. Diese Aufnahme, von der estnisch-schwedische Pianistin Käbi Laretei im Oktober 1965 für das Philips-Label aufgenommen, hat eine ganz besondere Bedeutung. Denn nachdem sie ein Jahrzehnt zuvor mit dem Komponisten den Zyklus durchgegangen war, nahm sie seine Interpretationsvorschläge und Ergänzungen der Partitur in ihre Konzertdarbietungen auf. Sie spielte „Ludus tonalis“ einige Tage nach ihrer Präsentation in der Carnegie Hall in einem New Yorker Studio ein, wo sie nicht nur mit ihrem Auftritt, sondern auch mit einem Interview nach dem Konzert das Publikum überzeugte. Laretei hatte bei Edwin Fischer studiert und war in den letzten zwei Jahrzehnten europaweit aufgetreten und dabei ein Star geworden. Ihr Fernsehdebüt bei der BBC hatte zu einer Reihe von Konzerten in Stockholm geführt, wo sie mit ihrem damaligen Ehemann lebte, dem Filmregisseur Ingmar Bergman. Sie hat jedoch vergleichsweise wenige Aufnahmen gemacht. Diese Interpretation von „Ludus tonalis“ ist ihr größtes Vermächtnis, wurde aber bisher nie auf CD veröffentlicht.

Eloquence ELQ4840142, VÖ: 10.7.2019, 0028948401420

Maurice Ravel - Sämtliche Klavierwerke - Gordon Fergus-Thompson, Klavier

Diese Sammlung von Ravels Klaviermusik, 1990 für das ASV-Label aufgenommen, wurde noch nie vollständig veröffentlicht. Dieses Set zeigt nicht die kühl-objektive Sichtweise des anspruchsvollen Komponisten-Handwerkers, an den uns moderne Aufnahmen gewöhnt haben, sondern eher einen Dichter in Klang und in Bezug auf seine baskische Herkunft. Das Klavier war für Ravel das Hauptmedium des musikalischen Denkens, und seine Herangehensweise an das Instrument war gleichzeitig verschwenderisch und präzise. Lisztianische Virtuosität wird mit einem antiken Geist des französischen Tanzes verbunden, sowohl im dunkel-impressionistischen „Gaspard de la Nuit“ wie auch in den viel sanfteren „Valses nobles et sentimentales“. Ebenso lässt sich „Jeux d’eau“ von einer Lisztianischen Vorlage inspirieren, während „Le tombeau de Couperin“ sowohl Freunden, die im Ersten Weltkrieg getötet wurden, als auch einer imaginären Welt formeller Umgangsformen und Sanftmut huldigt, die Ravel als für immer verloren hält. Obwohl sein Repertoire von Bach bis Webern reicht, hat Gordon Fergus-Thompson als französisch-russischer Spezialist für das technisch anspruchsvollste Repertoire von Komponisten wie Balakirev einen besonderen Ruf erlangt. Nach der Neuauflage seiner kompletten Skrjabin-Aufnahmen und seines berühmten Debussy bringt Eloquence hier weiteres Album, das den Pianisten ganz in seinem Element zeigt: rhythmisch frei und dennoch die vollständige Kontrolle über Ravels anspruchsvolle Partituren behaltend; klangfarblich raffiniert und dem Wiener Esprit in „La Valse“ ebenso hingegeben wie den verschwommenen, traumhaften Stimmungen der „Miroirs“.

Eloquence ELQ4829041, (2 CD), VÖ: 10.7.2019, 0028948290413

Johann Sebastian Bach - Aria mit verschiedenen Veränderungen, BWV 988 (Goldberg-Variationen) - Jimin Oh-Havenith, Klavier

„In den ersten 30 Jahren meiner Karriere wollte ich die Goldberg-Variationen nie spielen. Ich hatte eine starke Beziehung zu Bach - singende Mathematik - fühlte aber kein Bedürfnis, eine weitere Interpretation dieses vielgeliebten Werkes hinzuzufügen. Das änderte sich erst, als ich beschloss, in der Schule meines Sohnes die musikalische Ausbildung zu unterstützen. Die Aria der Goldberg-Variationen war eines der ersten Themen, und je mehr ich mich der Aria widmete, desto mehr spürte ich: Dieses Stück ist eine Goldgrube der Lebenskraft. Diese Aufnahme ist der Endpunkt eines zehn Jahre langen, persönlichen Heilungsprozesses. Für mich ist das ein Grund zur tiefen Freude - und ein Moment der Hoffnung, dass diese Musik ihren Zuhörern ebenso viel Heilung und Einsicht bringt, wie sie mir geschenkt hat.“ (Jimin Oh-Havenith) Eine einzigartige Klangfülle und außerordentliche Texttreue bestimmen Jimin Oh-Haveniths Klavierspiel. Ihr warmer Klang, der immer unmittelbar mit präziser rhythmischer Struktur verbunden ist, lässt die Musik in all ihrem Reichtum lebendig werden. Synchronizität von Klang und Rhythmus, nicht willkürliche Veränderungen von Tempo und Dynamik bestimmen die Klarheit ihrer Interpretation. JImin Oh-Havenith wurde in Seoul, Südkorea geboren. 1979 begann sie ihr Klavierstudium bei Jin-Woo Chung an der Seoul National University. 1981 bis 1984 setzte sie ihr Studium bei Aloys Kontarsky an der Musikhochschule Köln fort. Zusätzlich zu ihrer Konzerttätigkeit als Solistin sowie Rundfunk- und Plattenaufnahmen, konzertierte sie auch als Klavier-Duo mit ihrem Mann Raymund Havenith (†1993). Die Pianistin lehrte an der Hochschule für Musik Mainz und der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst, Frankfurt am Main. Seit 2013 ist sie wieder als Solistin tätig.

Musicaphon M56981, VÖ: 31.7.2019, 4012476569819

Richard Strauss - Sinfonische Dichtungen: Also sprach Zarathustra, op. 30 - Ein Heldenleben, op. 40 - Oslo Philharmonic Orchestra, Vasily Petrenko

Die Osloer Philharmoniker und Vasily Petrenko präsentieren die erste CD einer neuen Reihe von Aufnahmen mit Richard Strauss' Orchesterwerken. Diese erste Veröffentlichung enthält die großartigen Tondichtungen „Also sprach Zarathustra“ und „Ein Heldenleben“, beides Werke, die die Osloer Philharmoniker seit langem im In- und Ausland aufführen. Vasily Petrenko, seit 2013 Chefdirigent der Osloer Philharmoniker, nutzt die besondere Intensität des Streichersounds des Orchesters und seine großartigen Holz- und Blechbläsersektionen in dieser aufregend virtuosen Musik voll aus. Vasily Petrenko ist einer der derzeit bedeutendsten und aufregendsten Dirigenten und hat zahlreiche Auszeichnungen für seine Aufnahmen des russischen Repertoires erhalten, darunter zwei Gramophone Awards. Mit den Osloer Philharmonikern hat er Werke von Schostakowitsch, Szymanowski, Strauss und Prokofjew sowie einen großen Zyklus mit Orchesterwerken von Alexander Skrjabin aufgenommen. Die Osloer Philharmoniker wurden 1919 gegründet, und im Laufe des nächsten halben Jahrhunderts verbreitete sich der Ruf des Orchesters konstant. 1979 gab es einen ganz großen Schub, als ein junger Lette nach Norwegen kam, Mariss Jansons, der dieses Orchester in eine ernstzunehmende Konkurrenz zu den großen philharmonischen Orchestern in Wien, Berlin und New York verwandelte.

Lawo LWC1166, VÖ: 31.7.2019, 7090020181882

Agustín Pio Barrios (1885-1944) - Danza Paraguaya. Werke für Gitarre - Maximilian Mangold

Barrios‘ romantische Kompositionen kann man, je nach Standpunkt, als aus der Zeit gefallen oder zeitlos betrachten. Die Entwicklung der Musik in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts nahm bekanntlich, vor allem in Europa, eine gänzlich andere Richtung. Dieser hat sich Barrios nicht angeschlossen. Sein Verdienst besteht darin, den romantischen Gestus eines Frédéric Chopin mit bis dahin ungekannter Technik auf die Gitarre übertragen zu haben. Romantik und der Einfluss südamerikanischer Folklore verbinden sich auf kongeniale Weise in seiner Musik. Nicht zuletzt hinterließ er einige der schönsten Tremolo-Kompositionen im gesamten Gitarrenrepertoire. Es gibt unzählige virtuose Werke von Barrios. Dem Interpreten der vorliegenden Aufnahme liegen aber besonders seine lyrischen, poetischen Werke am Herzen. Hier verbinden sich melodischer Erfindungsreichtum, spannende Harmonik und ideale Umsetzung auf dem Instrument zu Meisterwerken der Gitarrenliteratur. Maximilian Mangold gilt „...als einer der im Augenblick künstlerisch interessantesten deutschen Gitarristen” (Fono Forum). Die Fachzeitschrift „Gitarre Aktuell” bezeichnet ihn als „Ausnahmegitarristen”. Er gibt als gefragter Solist zahlreiche Konzerte in Deutschland und Europa und ist ein ebenso vielseitiger Kammermusiker in Duos mit Harfe, Flöte, Violine, Klavier, Cembalo, Hammerflügel, Traversflöte und Sprecher, im Trio mit Flöte und Bratsche sowie mit dem Vlach-Quartett-Prag. Sein außerordentlich umfangreiches Repertoire dokumentiert sich auch in 22 CD-Einspielungen (fast ausschließlich auf Musicaphon), die in der Fachpresse überschwänglich gelobt und als Referenzaufnahmen gepriesen werden. Er erhielt zahlreiche Preise: u.a. bei den internationalen Gitarrenwettbewerben in Mettman, der Guitar Foundation of America in Quebec (Kanada) und in Northridge (USA); Stipendium des Deutschen Musikwettbewerbs, Aufnahme in die 38. Bundesauswahl Konzerte junger Künstler des Deutschen Musikrats; Stipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes, des Bayerischen Musikfonds und des DAAD; Staatlicher Förderpreis für junge Künstler des Bayerischen Kultusministeriums. Zahlreiche Rundfunk- und Fernsehaufnahmen sowie Konzertmitschnitte. Konzerte u. a. bei Christopher Summer Festival Vilnius (Litauen), Holland Music Sessions, Polska Akademia Gitary Polen, Agimus Catania (Italien), Meisterkonzerte in Wiltz (Luxemburg), Aabenra (Dänemark), Prager Rudolfinum, Moselfestspiele, Europäische Wochen Passau u.v.a.

Musicaphon M56983, VÖ: 7.8.2019, 4012476569833

Giovanni Girolamo Kapsperger (1580-1651) - Libro primo d‘intavolatura di chitarone (Venedig 1604) - Jonas Nordberg, Theorbe

Am Ende des 16. Jahrhunderts dominierte das Streben nach größerer, lebendigerer Expressivität das Musizieren in ganz Italien, wobei Madrigale und andere Vokalensembleformen als Ausgangspunkt dienten, aber bald die Möglichkeiten des Sologesangs erkundet wurden. Die Theorbe (oder Chitarone, wie sie auch genannt wurde) galt jahrzehntelang als ideales Instrument für die Begleitung von Sängern, wurde aber bald von Kapsperger als eigenständiges Soloinstrument etabliert. Kapsperger, deutscher Abstammung, veröffentlichte 1604 sein erstes Buch mit Solostücken für die Theorbe und startete eine erfolgreiche Karriere in Rom, wo er zum monumentalen Kulturprogramm von Papst Urban VIII beitrug. Dort bewegte er sich in intellektuellen Kreisen, insbesondere dem des Wissenschaftlers Galileo Galilei. In den 1630er Jahren wurde es still um Kapsperger, was möglicherweise ein Nebeneffekt von Galileis Verurteilung als Häretiker im Jahre 1633 war. Erst 1640 erschien seine letzte bekannte Ausgabe von Werken für Theorbe; die Nummer vier im Titel lässt darauf schließen, dass zwei Bücher verloren gegangen sind. Ein besonders attraktiver Aspekt von Kapspergers Musik sind die ausgeprägten Kontraste zwischen dramatischen und ungestümen Toccaten, geradlinigen Passacaglien und rhythmisch raffinierten, aber einfach konstruierten Tänzen wie den Galliarden. Hier gespielt von Jonas Nordberg, der sowohl als Solist wie auch als Ensemblemusiker gefragt ist und mit einer Vielzahl von Zupfinstrumenten wie Laute, Gitarre und Theorbe auftritt. Auf BIS war er bereits auf dem gefeierten Album „Heroines“ mit der Sopranistin Ruby Hughes und in Kammermusik mit dem Blockflötisten Dan Laurin zu hören.

BIS BIS-SACD-2417,  VÖ: 7.8.2019, 7318599924175

Lieder für Höflinge und Kavaliere von Caccini, Calestani, Cifra, D‘India, Grandi, Lawes, Purcell, Scarlatti, Bach - Helen Watts, Alt - Thurston Dart, Cembalo - Desmond Dupré, Viola da gamba - Philomusica of London, Thurston Dart

Drei L’Oiseau-Lyre-LPs, die die Kunst einer geliebten Altistin zelebrieren, neu gemastert und zum ersten Mal zusammengestellt, einschließlich neuem Material. Die Geschichte der aufgezeichneten britischen Altistinnen reicht von Kathleen Ferrier bis hin zu Constance Shacklock und vor ihrer Dame Clara Butt. In den 1950er-Jahren kam jedoch Helen Watts hinzu: „Eine außergewöhnliche Altstimme“, wie es ihre moderne Kollegin Nathalie Stützmann ausdrückte . Nachdem sie ihre walisische Heimat verlassen und die Royal Academy of Music abgeschlossen hatte, etablierte sie sich schnell als Ferriers Nachfolgerin als Oratoriensängerin mit unvergesslichen Aufführungen von Bach und Händel unter Sir Malcolm Sargent und Sir Adrian Boult. Zur gleichen Zeit begann sie, Platten für L’Oiseau-Lyre zu machen: wegweisende Gesamtaufnahmen von „Semele“ und „Sosarme“, die vor kurzem von Eloquence neu aufgelegt wurden. Louise Hanson-Dyer, die Gründerin, Mäzenin und Inspirationsquelle des Labels, war davon so beeindruckt, dass sie Watts für eine Solo-CD engagierte, die 1957 unter dem phantasievollen Titel „Songs for Courtiers and Cavaliers“ erschien. Schon den ersten Takten von Caccinis „Dolcissimo sospiro“ ist abzuspüren, dass Dyers Vertrauen in ihre junge Alt-Entdeckung begründet war. Sie verband Wärme und Strenge gleichermaßen und erfolgreich mit einer Art ungezwungener Diktion. Der Erfolg von „Courtiers and Cavaliers“ führte im Juli 1957 zu einem Album mit Liedern von Purcell und Scarlatti und im April 1958 zu Bach-Kantaten für Alt. Alle drei Alben waren durch die einfühlsame und wissenschaftlich-künstlerische Leitung von Thurston Dart geprägt, und sie mischten bekanntes mit wenig bekanntem Repertoire. Dreizehn Songs von Henry Lawes brachten den Hörern einen der originellsten Komponisten Englands des 17. Jahrhunderts nahe, und Watts' wunderschön modulierte Erzählungen von „If music be the food of love“ und „Widerstehe doch der Sünde“ behalten ihren Glanz auch in unserer historisch informierten Zeit.

Eloquence ELG4828578, (2 CD), VÖ: 14.8.2019, 0028948285785

Georg Friedrich Händel - Sosarme Deller, Herbert, Evans, Ritchie, Watts, Kentish - St. Anthony Singers - The Saint Cecilia Orchestra, Anthony Lewis

Alfred Dellers einzige vollständige Aufnahme einer Händel-Oper. „Sosarme“ wurde zum ersten Mal im Februar 1732 im King‘s Theatre in London aufgeführt und zwei Jahre später wieder aufgenommen. Erst bei einer BBC-Sendung unter der Leitung von Anthony Lewis im Januar 1955 wurde die Oper wieder (fast vollständig) musiziert. Der Dirigent und die Interpreten nahmen diese Aufnahme einen Monat später bei Louise Hanson-Dyer und ihrem Label L‘Oiseau-Lyre auf. „Obwohl Sosarme nicht das beste Beispiel für Händels Fähigkeiten als musikalischer Dramatiker ist“, so der Händel-Forscher Anthony Hicks, „zeigt es konsequent seine Größe als Komponist.“ Die größten Reichtümer der Partitur finden sich in den exquisiten Arien für Sosarme und Elmira und vor allem in ihren beiden Duetten, von denen das erste („Per le porte del tormento“ in Akt 2) sein Gegenüber mit Musik von durchdringender Ausstrahlung überstrahlt. Es war diese Aufnahme von Sosarme, die viele Zuhörer mit Alfred Deller (1912–1979) und mit Countertenören im Allgemeinen bekannt machte. Dellers unverwechselbare Stimme verkörperte durch die scheinbare Leichtigkeit die Kunst, höchst virtuose Anstrengung zu verbergen. Als der Cembalist und Dirigent Gustav Leonhardt einmal gefragt wurde, ob er jemals jemandem erlaubt habe, ihm zu sagen, wie er etwas aufführen soll, antwortete er: „nur Deller“. Deller wurde von einer Gruppe britischer Sängerinnen und Sänger begleitet, die mit Lewis weitere Aufnahmen für L’Oiseau-Lyre gemacht haben, die sowohl bekannte als auch unbekannte Musik in einer damals neuen, historisch informierten Aufführungspraxis darstellten. Einige wurden von Eloquence neu aufgelegt: „Semele“ (4827449), „The Fairy Queen“ (4825063) und geistliche Werke von Couperin (4828542) und Mozart (4825041).

Eloquence ELQ4828582, (2 CD), VÖ: 14.8.2019, 0028948285822

Helmut Barbe (*1927) - Deutsche Volkslieder in Sätzen für gemischten Chor - Berliner Vokalensemble, Bernd Stegmann

Helmut Barbe kommt aus der kontrapunktischen Tradition der protestantischen Kirchenmusik, und das merkt man seinen Sätzen an. Er war vor dem Abitur (1946) zehn Jahre lang Mitglied der Torgauer Johann Walter-Kantorei, die nach dem musikalischen Berater Luthers benannt ist. Barbe studierte dann in Berlin an der Kirchenmusikschule Spandau, unter anderem bei dem Meister der Chormusik Ernst Pepping, und legte 1952 die A-Prüfung ab. Im gleichen Jahr wurde er Kantor an St. Nikolai in Spandau, wo er eine leistungsfähige Kantorei aufbaute. 1955 wurde er Dozent an der Spandauer Kirchenmusikschule, 1975 Professor an der Hochschule der Künste in Berlin, 1977 gründete er den Kammerchor Helmut Barbe. Barbes Affinität zu kunstvoller Chormusik ist offensichtlich. Seine Sätze deutscher Volkslieder setzen einen gut geschulten Chor voraus. Die von Barbe bearbeiteten Lieder stammen aus der Zeit vom 15. bis zum 19. Jahrhundert. Der mehr lineare Charakter der älteren Melodien und der mehr harmonische der neueren prägt jeweils die Chorsätze bis zu einem gewissen Grad. Das gilt auch für die tonale Grundhaltung der Melodien. Was den Sätzen Barbes ihren eigenen, hohen Reiz verleiht, ist der Einfallsreichtum an Nuancen, den er innerhalb des selbstgesteckten Rahmens entfaltet. Dieser Klangreiz auf der einen Seite, auf der anderen eine rhythmische Lebendigkeit, etwa durch Varianten, die plötzlich das Metrum ausser Kraft setzen, ferner die abwechslungsreiche Verflechtung der Stimmen insgesamt dienen dazu, die Vorstellungswelt der Lieder atmosphärisch zu verdichten, ob es nun um süße oder bittere Gefühle, heitere oder ernste Begebenheiten geht. So oft alle diese Lieder mehrstimmig gesetzt worden sind: In Barbes Bearbeitungen findet man immer wieder neue Aspekte.

Musicaphon M36816, VÖ: 21.8.2019, 4012476368160 Wiederveröffentlichung

Raritäten der Klaviermusik auf Schloß vor Husum 2018. Mit Werken von Vierne, Debussy, Dupont, Vladigrov, Alkan, Fuchs, Arensky, Hahn u.a. - Fabian Müller, Severin von Eckardstein, Muza Rubackyte, Etsuko Hirose, Ingrid Marsoner, Sina Kloke, Antonio Pompa-Baldi, Klavier

Das 1987 gegründete jährliche Festival für Raritäten der Klaviermusik in der norddeutschen Stadt Husum ist ein Fixpunkt des Festivaljahres. Danacord ist stolz darauf, auch die Aufnahme des 32. Festivals 2018 mit seltener Klaviermusik zu veröffentlichen, die von einigen der derzeit führenden Pianisten gespielt wird. Zu den Höhepunkten zählen der Auftritt von Antonio Pompa-Baldi und sehr seltene Klavierwerke von Vierne und Nicodé. Bei vielen hier zu hörenden Werken handelt es sich um CD-Ersteinspielungen und wie üblich um unbearbeitete Live-Auftritte. Alle Liebhaber der Klaviermusik finden hier wieder herausragende Interpreten und oft unbekannte und seltene, meist romantische Klaviermusik von unschätzbarem Wert.

Danacord DACOCD839, PC: CK, VÖ: 21.8.2019, 5709499839003

Johann Sebastian Bach - Die sechs Cellosuiten - Mime Yamahiro Brinkmann, Cello

Immer wieder gelingt es Mime Brinkmann, die Menschen auf besondere Weise mit ihrem Spiel zu berühren. Ihre Interpretation der Bach-Suiten wurde durch ihre musikalische Lebensreise geformt. Seit über 25 Jahren Spezialistin für historische Aufführungspraxis und Solistenpreisträgerin (Brügge und Brescia), ist sie in über 40 Ländern bereits mit Pionieren der Alten Musik und mit mehreren der bedeutendsten Ensembles aufgetreten. Sie ist als Solistin und Ensemble-Partner international sehr gefragt.

Arcantus ARC19014, (2 CD), VÖ: 28.8.2019, 4260412810147

Morton Feldman (1926-1987) - Feldman Edition vol. 13: For Bunita Marcus - Aki Takahashi, Klavier

„For Bunita Marcus war für meine Musik untypisch, aber ich sage Ihnen genau, wie ich es geschrieben habe. Nicht die Noten; die Noten haben das Stück nicht geschrieben. Ich habe ein Talent für Noten, so wie manche Leute ein Talent haben, Fische zu fangen oder Geld zu verdienen. Ich habe keine Probleme mit Noten. Ich ziehe sie einfach wieder aus meinem Ohr - überhaupt kein Problem. Für mich gibt es keinen Rhythmus. Ich würde lieber den Begriff „rhythmisieren“ verwenden. Ich begann mich für Metren zu interessieren; in dem Moment, in dem man sie verwendet, impliziert es die Frage: „Wie komme ich über die Taktstriche hinaus?“ Ich schrieb 4/4 auf, ließ ein kleines Leerzeichen frei, zeichnete einen Taktstrich und schrieb dann über diesen hinaus. „Das schwarze Loch des Metrums“, weil manche Leute nicht zu nahe an Taktstrich kommen sollten - es gibt eine Menge Musik, bei der der Stil dazu neigt, sie über den Taktstrich zu ziehen. For Bunita Marcus besteht hauptsächlich aus 3/8, 5/16 und 2/2 Takten. Manchmal hatten die 2/2 musikalische Bedeutung, wie am Ende des Stückes. Manchmal ist der 2/2-Takt ganz leise, entweder rechts oder links oder in der Mitte eines 3/8 oder 5/16 Takts, und ich habe den Zähler zur Konstruktion verwendet - nicht den Rhythmus - den Zähler und die Zeit , die Dauer, die etwas braucht. Was mich schließlich interessierte, waren die „Entwicklungsabschnitte“, in denen ich gemischte Metren verwendete. Es ging 2/2, 3/4, 5/8 ... also benutzte ich Metren bis zu einem bestimmten Punkt als Periode der Instabilität. Ich habe es nicht als Entwicklungsabschnitt betrachtet, in dem ich - ich kann keinen besseren Ausdruck finden - das Metrum entwickelt habe. Dann dachte ich, wie jeder andere Komponist, wie viel Veränderung in diesem Raster möglich ist? Und ich sagte; beschleunigen oder verlangsamen. Aber ich konnte keinen definitiven Plan machen - das würde nicht funktionieren. Es kann nur funktionieren, wenn Sie dem Material folgen und sehen, wie es ausgeht.“ (Morton Feldman)

Mode MODE314, VÖ: 28.8.2019, 764593031420

Jean Cras (1879-1932) - Klavierwerke: Poèmes Intimes - Danze - Deux impromptus - Paysages - Jean-Pierre Ferey, Klavier

Jean Cras war französischer Komponist – und Konteradmiral. Sein Vater, Chefarzt der französischen Marine, und seine Mutter waren leidenschaftliche Musikliebhaber; in dieser Atmosphäre begann Cras im frühen Kindesalter mit dem Klavierspiel. Mit 13 Jahren legte er seine erste Komposition vor, die er am Klavier öffentlich vortrug. Ab dem 17. Lebensjahr besuchte er die Marineschule. Seine Mußestunden verbrachte Cras mit Musizieren und Komponieren. 1899 hatte er bereits eine Messe, mehrere Motetten und das Trio Voyage Symphonique komponiert. Um die Jahrhundertwende begann eine innige und lang andauernde Freundschaft zu dem Komponisten Henri Duparc, der ihm die Streichquartette Beethovens zum analytischen Studium empfahl. In seiner militärischen Laufbahn war Cras Lehrer an der Marineschule. Hier erdachte er einen Winkelmesser als Navigationshilfe (Règle Cras), die bis zur Einführung der satellitengestützten Navigation auf jedem Schiff in Gebrauch war. Im Ersten Weltkrieg war er Kommandeur eines Torpedobootes. Durch Admiral Auguste Boué de Lapeyrère wurde er als ein Offizier erster Klasse benannt und rückte so in den Marinestab auf. Inzwischen vollendete er seine Oper Polyphème (Libretto von Albert Samain), die am 22. Dezember 1922 an der Opéra-Comique uraufgeführt wurde. Während seiner Zeit als Kommandeur verschiedener Schiffe nahm er stets ein Klavier mit an Bord, um, wie er sich ausdrückte, einer inneren Stimme zu gehorchen, die ihn zum Komponieren anregte. Ab 1931 war Cras im Dienstgrad eines Konteradmirals verantwortlicher Generalmajor des Kriegshafens von Brest, eine Position, die er bis zu seinem plötzlichen Tod im September 1932 innehatte.

Skarbo DSK1153, VÖ: 4.9.2019, 3375250115307

Siegfried Reda spielt - Ernst Pepping: Toccata und Fuge über „Mitten wir im Leben sind“ - Johann Nepomuk David: Partita „Da Jesus an dem Kreuze stund“ - Siegfried Reda: Marienbilder / Sieben Monologe - Paul Hindemith: Sonate I (1937) - Siegfried Reda, Orgel

Die hier vorgestellten Werke gehören zur „gemäßigten Moderne“, einer Form des Neoklassizismus, die gegen Ende der zwanziger Jahre durch Verzicht auf radikale Momente entstand. Sie wurden zwischen 1937 und 1953 geschrieben, die ältesten von ihnen also in einer Zeit, in der das Komponieren vom deutschen Staat reglementiert wurde, der jedes radikal oder gar revolutionär erscheinende Werk als „entartet“ oder „Kulturbolschewismus“ verfolgte, jüdischen Musikern die Ausübung ihres Berufs verbot, sie ins Exil trieb oder ermordete. Die Ausstellung „Entartete Musik“ von 1938 sprach davon eine deutliche Sprache. Zugelassen war nur noch eine in der Tat gemäßigte Moderne, der alle Radikalität ausgetrieben war und die in dieser Form eine große Rolle im Bereich der musikpädagogischen Praxis von Jugend- und Singbewegung, inner- und außerhalb der Parteiorganisationen ebenso wie in der evangelischen Kirchenmusik spielte. Die Kirchenmusik suchte sich vom Nazitum fernzuhalten durch die bevorzugte Verwendung von Kirchenliedern. Was damals toleriert worden war, wurde nach dem Ende des Dritten Reichs automatisch unter Generalverdacht gestellt. Auch die nach 1945 in der Nachfolge der gemäßigten Moderne entstandenen Werke wurden politisch als Nachgeburten des Dritten Reichs gewertet und als reaktionär abgetan; die äußeren Umstände der Entstehung sagen freilich nichts aus über die Qualität von Kompositionen. Ästhetisch erschienen sie im Vergleich mit der inzwischen außerhalb Deutschlands geschehenen Entwicklung allerdings als mehr oder weniger harmlos und verloren rasch an Bedeutung. Die Interpretation von Siegfried Reda, der aus der Schule von Ernst Pepping und Hugo Distler kam, dokumentiert Orgelmusik aus jener Zeit in authentischer Weise.

Cantate C37631,  VÖ: 4.9.2019, 4012476376318

Ludwig van Beethoven - Sämtliche Variationen, Bagatellen und Clavierstücke - Ronald Brautigam, Fortepiano

Zwischen 2003 und 2015 nahm Ronald Brautigam alle Werke von Beethoven für Klavier solo auf - ein großes Unterfangen, das insgesamt 15 hochgelobte SACDs hervorbrachte. Brautigam entschied sich für die Interpretation der Werke auf dem Fortepiano und begann mit den Sonaten auf neun Folgen. Danach nahm er die Variationen, Bagatellen und andere Klavierstücke auf - eine erstaunliche Reihe von Werken, die von einer Bagatelle mit 11 Sekunden Spieldauer bis zu den monumentalen Diabelli-Variationen und von einem bezaubernden Rondo in C-Dur aus der Feder eines 13-Jährigen bis zu dem reichen, was oft als „letzter musikalischer Gedanke“ des Komponisten bezeichnet wird: ein Andante maestoso aus dem Jahr 1826. Die Sonatenaufnahmen von Ronald Brautigam wurden 2014 als Box-Set zusammengefasst. Nun folgt diese 6-Disc-Box der verbleibenden Werke für Solo-Klavier im Original-Hybrid-SACD-Format und mit vollständiger Dokumentation in Form der Original-Booklets. Im Verlauf von über 40 Jahren komponiert, wird die Musik auf drei verschiedenen Instrumenten gespielt, die alle aus der Werkstatt von Paul McNulty stammen. Die zeigen die rasante Entwicklung, die das Fortepiano zu Beethovens Lebzeiten erlebte.

BIS BIS-SACD-2403, (6 SACD zum Preis von 3), VÖ: 11.9.2019, 7318599924038

Arrangements für zwei Orgeln und Schlagzeug, vol. 2 + Gustav Holst: The Planets - Paul Dukas: Der Zauberlehrling - Jörg Endebrock, historische Walcker-Orgel, 1911 - Susanne Rohn, Klais-Orgel, 1979 - Konrad Graf, Schlagzeug

Vol. 2 vereint zwei berühmte Kompositionen: Die Orchestersuite The Planets (Die Planeten) ist in den Jahren 1914 bis 1916 entstanden und ist bis heute Gustav Holsts erfolgreichste und meistgespielte Komposition geblieben. Und das nicht ohne Grund: Er verschmilzt in diesem Werk die vielfältigsten musikalischen Einflüsse seiner Zeit zu einem unwiderstehlich neuen, unverwechselbaren Personalstil: Anklänge an den frühen Strawinsky, an Vaughan Williams, Dukas, Debussy aber auch an Elgar und die englische Volksmusik sind aller orten zu vernehmen. Dieser Stil vollbringt das Kunststück, gleichzeitig musikalisch anspruchsvoll und volkstümlich zu sein. Verbürgt ist die Anekdote, dass die Putzfrauen im Konzertsaal bei der Generalprobe zur Uraufführung des Jupiter zu tanzen anfingen. Dieser Musikstil wurde dann prägend für eine ganze Generation von Filmmusikkomponisten, vor allem im ScienceFiction-Genre. – Bei allen vielbeschworenen Unterschieden zwischen deutscher und französischer (Musik-) Kultur: Einige der prominentesten Goethe-Vertonungen kommen aus Frankreich, darunter dramatische Werke von Berlioz, Gounod und Massenet. Keine Vertonung, aber eine von Goethe inspirierte Musik ist die Tondichtung L’apprenti sorcier (Der Zauberlehrling), ein Scherzo für Orchester von Paul Dukas aus dem Jahr 1897. Das ebenso brillante wie hämische Stück ist bei Orchestern sehr beliebt. – Im August 2017 hat hd-klassik, das Schwester-Unternehmen des Labels Cybele Records, sein audiophiles Angebot um die 3D Binaural Series erweitert: Erstmalig als SACD-Serie in nativer DSD-Qualität wird innerhalb der neuen Edition das ECHO Klassik-prämierte und von Preisträger Ingo Schmidt-Lucas konzipierte Aufnahmeverfahren 3D-Binaural-Stereo (Kunstkopf) eingesetzt: Alle SACDs dieser innovativen 3D Binaural Series enthalten eine 3D-Binaural-Stereo-Aufnahme, die ganz puristisch mit nur zwei Mikrofonen ohne jegliche Filter und Effekte realisiert wurde. Durch die Wiedergabe dieser 3D-Version wird der Hörer nahezu direkt an den Ort des Geschehens versetzt, so als würde er die Aufnahme live miterleben. Es entsteht ein natürlicher Klang- und Raumeindruck, der dem des menschlichen Gehörs sehr nahe kommt.

hd klassik 3D001901, VÖ: 11.9.2019, 809548019822 SACD/3D binaural